MENJADI MODERN ITU HARUS - by: Michael Gunadi | Staccato, February 2025

MENJADI MODERN ITU HARUS

By: Michael Gunadi

Staccato, Februari 2025

 

Artikel kali ini, akan mebahas tentang keadaan Musik Klasik yang kian buruk dan menyedihkan saat kita sebetulnya sudah memulai masuk pada dekade ketiga abad ke-21. Sebetulnya bahkan sejak tahun 1940-an dan 1950-an, para kritikus musik sudah mulai mengeluhkan bahwa sangat banyak para pemain musik klasik yang tidak bermain, menyanyi, atau membawakan Musik Modern. Hal ini mencapai puncaknya pada tahun 1960-an dan 1970-an. Namun, keluhan para kritikus musik tersebut, sebagian besar telah mereda selama 40 tahun terakhir. Mungkin saja, reda  karena tidak ada seorang pun di bidang Musik Klasik yang mau mendengarkan musik modern.

Tapi sekarang, saat ini kita sebetulnya sudah sampai pada titik dimana sudah ada lebih banyak musik modern hebat yang ditulis dan direkam dibandingkan sebelumnya, dan yang dimaksud dengan “modern” terkadang adalah karya para komposer yang berasal dari tahun 1940-an. Lihatlah rata-rata program konser simfoni, pertunjukan lagu atau instrumen solo, atau repertoar gedung opera favorit di dunia zaman sekarang. Kita tidak akan menemukan banyak hal. Jikapun ada sesuatu yang diprogram, yang ditulis lebih kuno dari awal tahun 1930-an, hampir selalu mengarah pada hal yang sama: yakni musik tonal oleh para Great Masters. 

Jika ada kebangkitan dalam dunia Musik Klasik, biasanya hal tersebut disebabkan oleh promosi beberapa komposer yang menulis musik yang lumayan indah dari pertengahan abad ke-18 hingga tahun 1930-an. Sebut saja semisal penemuan Florence B. Price. Peristiwanya merupakan anugerah bagi musisi klasik dan khususnya stasiun radio yang memutar Musik Klasik. Florence B. Price ini, dia menulis musik yang dibuat dengan baik namun impersonal, cantik dan menarik tetapi sejatinya tidak mengatakan apa-apa, dan yang paling menarik di sini adalah karena dia itu orang Afrika-Amerika, yang mana mereka dapat merasa nyaman dengan diri mereka sendiri dengan mempromosikannya, meskipun musiknya indah tapi tak mengandung “pesan” apapun.

Tentu selain Komposer seperti Florence B. Price, ada musik dari komposer besar Afrika-Amerika lainnya yang musiknya jauh lebih pribadi dan lebih menarik, seperti William Grant Still, Ulysses Kay, George Walker dan Adolphus Hailstork. Sayangnya, karya mereka hampir tidak terlihat bahkan hingga saat ini, dan ketika musik Still dibawakan, musiknya menjadi hilang “kultur Negronya”. Versi yang beredar menjadi serupa roti white-bread yang sepenuhnya menghilangkan aspek musik yang lebih funky dan “hitam”. Hailstork, yang masih bersama kita (dia baru berusia 80 tahun), memiliki beberapa CD musiknya yang tersedia di label Naxos tetapi tidak cukup untuk memberikan gambaran kepada pendengar tentang cakupan penuh dari keluarannya, dan di ruang konser dia adalah non-entitas lainnya. 

Kita juga dapat menambahkan ke daftar ini komposer Inggris berkulit hitam yang brilian, Errollyn Wallen. Dia akan berusia 63 tahun tahun ini, tapi berapa banyak dari kita yang pernah mendengar musiknya? Dan berapa banyak dari kita yang pernah mendengar tentang Nancy van de Vate, ia kini berusia 90 tahun, yang telah menulis musik hebat selama beberapa dekade? Dia bahkan tidak muncul di Label Rekaman Naxos. Sejauh menyangkut perusahaan rekaman, dia bukan entitas, itulah sebabnya dia harus memulai labelnya sendiri, yang diberinya merk Vienna Modern Master, yang tidak didistribusikan kecuali melalui situs webnya sendiri.

 

Sejatinya, bukan hanya komposer kulit hitam dan perempuan yang mengalami “pemadaman musik modern”. Masih banyak lagi yang lain sehingga tentu hampir tidak dapat mencantumkan semuanya di sini, tetapi ada satu contoh di antara banyak contoh lainnya. Kalevi Aho (lahir 1949) adalah seorang komposer Finlandia yang oleh banyak musisi dan kritikus, dianggap sebagai salah satu komposer terhebat yang masih hidup saat ini. Tetapi jika bukan karena serangkaian rekaman keluarannya yang dikeluarkan oleh Bis Records, apakah ada orang yang pernah mendengar tentangnya—sama seperti hanya sedikit orang di luar Skandinavia yang pernah mendengar musiknya di ruang konser.

 

Ada pula  komposer modern yang sebetulnya bisa disebut sebagai paling terkenal yang namanya dihidupkan kembali setelah kematiannya. Ia komposer Polandia-Soviet yang brilian dan sangat individual, Miecyzław Weinberg, diabaikan oleh sebagian besar ruang festival pada tahun keseratus kelahirannya, 2019, untuk  sejumlah konser yang dibayar dan dipromosikan oleh pemain biola Gidon Kremer yang memujanya. Tanpa upaya Gidon Kremer, siapa pun di luar sana yang belum pernah mendengar tentang Weinberg pasti tidak banyak mendengar tentang konsernya, kecuali Anda tinggal di salah satu negara (bukan AS) tempat konser tersebut diadakan. Tapi astaga, SEMUA ORANG merayakan 250 tahun kelahiran Beethoven pada tahun 2020, bukan? Jauh banget bandingan perlakuannya. Padahal Beethoven adalah “Mumi Musik Masa lalu”.

 

Salah satu keluhan standar fans musik Klasik terhadap musik modern adalah bahwa musik modern yang seringkali hadir secara bitonal (dua tonal) dan atonal (nada dasarnya gak ada. Lho?!) tidak “alami” untuk didengarkan manusia, oleh karena itu ini adalah hal yang esoterik. Kritikus musik Henry Pleasants bahkan menulis buku yang mengecam segala sesuatu yang modern, The Agony of Modern Music, untuk memprotesnya. Tapi sebetulnya, bahkan beberapa musik rock, dan tentunya banyak musik jazz, telah menyertakan momen bitonal dan atonal. Kita hidup di zaman yang berbeda sekarang. Telinga kita kini sebetulnya dan semestinya sudah bisa menyesuaikan diri dengan suara-suara yang tidak normal.

Jika anda sempat mendengarkan stasiun radio klasik Amerika, Anda akan berpikir bahwa semua inovasi musik berakhir pada tahun 1924 dengan Rhapsody in Blue karya George Gershwin, yang diputar setidaknya tiga kali seminggu (beneran ini, saya tidak melebih-lebihkan). Momen langka di radio klasik USA adalah saat di mana Anda akan mendengar sesuatu dari Arnold Schoenberg (Sang penemu konsep DODEKAFON atau tangga nada 12 nada). Itupun biasanya merupakan salah satu karya sebelumnya atau salah satu transkripsi musik lamanya, dan selalu disertai permintaan maaf secara lisan sebelum rekaman diputar untuk meyakinkan pendengar agar tetap stau tune in di radionya karena bisa saja ada kesan UPNORMAL.

 

Di gedung opera Eropa, entah bagaimana keadaannya. Karena saya sudah tidak terlalu mengikuti repertoar mereka, tetapi di Metropolitan Opera House New York, hanya segelintir opera yang disajikan di sana yang sesekali (tidak teratur) yang ditulis setelah Arabella karya Strauss pada tahun 1933: Berg selesai Lulu, beberapa opera Britten (kebanyakan Peter Grimes) dan The Rake's Progress, sebuah karya neo-klasik karya Stravinsky. Namun, terus terang, New York bukanlah, dan tidak pernah benar-benar menjadi, pusat inovasi musik, meskipun terdapat fakta bahwa beberapa komposer dan musisi jazz hebat mengklaim New York sebagai basis operasi mereka. Bahkan sejak awal abad ke-20, sebagian besar opera baru yang mereka tayangkan perdana di rumah opera tersebut hanyalah sesuatu sambil lalu, yang tidak layak untuk dilestarikan.Di sisi lain, ada beberapa perusahaan yang sering kali bersikeras untuk dihidupkan kembali karena seseorang di dewan parleman menyukai mereka, misalnya. Nixon karya John Adams dan The Ghosts of Versailles karya John Corigliano. Dan sumber pusat penyajiannya adalah di THE MET. MET itu singkatan METROPOLITAN OPERA HOUSE ya.

 

Tentu saja, orang tidak bisa semaunya mengatakan bahwa masing-masing komposer yang karyanya ditayangkan perdana di Met adalah komposer yang buruk, tetapi beberapa komposer yang baik juga ahli dalam jenis musik lain juga ada, seperti: Victor Herbert dalam operet, Respighi dan Hanson dalam musik instrumental, dan Tukang Cukur Seville, dalam gubahan lagu dan karya orkestra pendek. Sayangnya, Opera bukanlah keahlian mereka dan mereka sebetulnya menunjukkannya dengan cara yang memudar.

 

Ironisnya, peristiwa semacam ini terjadi pada masa subur opera yang mencakup mahakarya seperti Berg's Wozzeck (1925), Schoeck's Penthesilea (1927), Zemlinsky's Der Kreidekreis (1933), Britten's Peter Grimes (1945), Orff's Antigonae (1949) dan Pizzetti's Ifigenia (1950) dan Clitennestra (1965).Berg Wozzeck datang ke Met pada tahun 1959 atas desakan Rudolf Bing. Peter Grimes akhirnya datang ke Met pada tahun 1967, dan itu hanya karena desakan tenor Jon Vickers. Yang lainnya masih belum pernah dipentaskan di sana, dan patut dicatat juga bahwa Elektra 1909 karya Strauss, yang sekarang dianggap sebagai mahakaryanya, baru ditayangkan perdana di Met pada bulan Desember 1932, dan dari enam pertunjukan yang diterimanya pada musim itu, lima lainnya diawali oleh Il Siignor Bruschino karya Rossini!! (Boris Godunov dari Mussorgsky juga pernah menjadi pengunjung, dengan produksi yang berjarak enam hingga sepuluh tahun; penampilan Met terakhirnya ditampilkan pada 17 Maret 2011, sebuah situasi yang aneh di mana Rene Pape menyanyikan Boris sepanjang sebagian besar opera tapi Evgeny Nikitin menggantikannya di adegan terakhir) Tak satu pun opera lain yang disebutkan di atas pernah dipentaskan di Met.

 

Kalau mau jujur, sebetulnya ada masalah penayangan perdana opera baru di Met, yang sebagian besar, selalu didasarkan pada seberapa akrab nada suaranya, bukan apakah opera tersebut bagus atau tidak. Mereka yang agak beruntung dalam kedua hal dengan The Great Gatsby karya John Harbison, yang merupakan opera menarik dengan musik yang cukup bagus, tetapi seperti banyak opera modern, opera ini jujur saja lebih pas “dimainkan” di teater kecil daripada di gedang seperti Metropolitan, jadi itu akhirnya menjadi salah satu kegagalan mereka. Dalam beberapa tahun terakhir mereka mencoba menjadi inovatif dengan mengadakan pemutaran perdana The Tempest karya Thomas Adès dan L'Amour de Loin karya Kaija Saariaho, namun menurut para kritikus, musiknya tidak terlalu bagus bahkan menurut standar musik modern. Dalam kedua kasus tersebut, para komposer dipilih karena bobot humas mereka, bukan karena kehebatan musik yang melekat, yang tidak ada satu pun.Nampaknya, siapapun yang memilih opera “baru” untuk Met, dulu atau sekarang, memiliki selera musik yang buruk, sehingga mereka ya mematikan seni opera modern itu sendiri.

Selama lebih dari 30 tahun terakhir, gedung-gedung opera terkemuka di dunia telah mencoba mengkompensasi kurangnya minat terhadap kebangkitan kembali karya-karya lama dengan mengacaukan produksi dengan produksi panggung yang tidak pantas, tidak akurat dalam gaya, dan sangat gila.Asal pilih murahnya dan cepat tayang. Sebetulnya  bahwa memang ada segelintir produksi panggung modern yang sebenarnya bagus dan menarik.

 

Lalu, bagaimana dengan konser musik instrumental? Penonton konser instrumental sulit untuk menerima apapun selain musik tonal. Bagi mereka, “musik tidak pernah berjalan,” dan mereka juga menerapkan keluhan ini pada Pelléas et Mélisande karya Debussy, yang sebagian besar dari mereka ingin menghilang begitu saja dan tidak mau mendengan dan nonton kembali. 

 

Setiap bulan, jika anda membaca Katalog Rilis Baru Naxos, anda akan melihat halaman demi halaman masih saja penuh dengan musik lama, yang sebagian besar tentu pernah anda dengar sebelumnya dan beberapa di antaranya malahan anda miliki dalam bentuk rekaman oleh Artisan Maesto Legendaris, yang tidak akan pernah bisa dilampaui oleh sebagian besar artis modern. Kadang-kadang mereka mencoba menyempurnakan repertoar lama dengan “membayangkan kembali” repertoar tersebut, baik dengan menyalinnya ke instrumen yang tidak pernah dimaksudkan oleh komposer aslinya (saya setengah berharap untuk melihat, dalam satu bulan, Bach Art of Fugue dimainkan Gitar Klasik secara komplit) atau dengan menyelingi repertoar tersebut. Barang lama dengan sentuhan sesuatu yang modern. Bagi saya, semua ini sebetulnya bisa untuk menunjukkan betapa karya-karya modern biasanya lebih ringkas dan inventif, dan betapa borosnya komposer-komposer lama dengan Tunes dan dengan demikian memperluas bentuk karya tersebut untuk menyenangkan khalayak populer.

 

Pada tahun 1920-an, setelah melarikan diri dari Uni Soviet, Nikolai Medtner meminta temannya Rachmaninov untuk membantunya tampil di satu konser dengan memainkan resital piano. Rachmaninov melakukannya, tetapi Medtner gagal karena dia kebanyakan memainkan komposisinya sendiri, yang secara teknis jauh lebih detail dan kurang selaras dengan rekannya yang lebih tua. Namun karena keselarasan ini, Rachmaninov-lah yang dianggap sebagai komposer hebat dan dipuja oleh jutaan orang, dan Medtner dengan musiknya, masih saja berjuang untuk mendapatkan pengakuan. Ketika kisah ini diceritakan kepada beberapa orang, dan ditambahkan bahwa Medtner meninggal dalam keadaan miskin, banyak yang mengatakan bahwa hal itu layak baginya karena tidak menulis karya yang disukai orang, seolah-olah itu adalah tugas pertama setiap komposer. 

 

Tak heran jika Kaikhosru Sorabji mengurung diri di rumahnya dan menolak mengizinkan siapa pun menampilkan musiknya antara tahun 1930-an hingga 1970-an. Mengapa repot-repot jika pertunjukannya mungkin buruk atau penontonnya bahkan tidak mau mendengarkannya? Saat ini Sorabji masih belum terkenal, namun ia lebih dikenal oleh para pianis dari segmen tertentu oleh penonton ,musik piano klasik yang memiliki selera melebihi Chopin dan Rachmaninov, dan ini sepenuhnya berkat para pianis pionir di tahun 1970-an dan 1980-an yang berjuang untuk tampil dan mencatat skor Sorabji. Syukurlah sang komposer hidup cukup lama untuk melihat karyanya dibenarkan, setidaknya sedikit. Tragis. Komposer Modern, nasib tragis.

 

Artikel ini akan saya akhiri dengan Quotes dari seorang Nadia Boulanger. Bahwa Pianis klasik (dan semua musisi juga) yang tidak dapat memainkan karya modern, bukanlah seorang pemusik sejati. Persoalannya: Kapan akan timbul kesadaran bahwa Musik Klasik harus diperbaharui dan menjadi kenyal sesuai zaman?